Der Windsbacher Knabenchor singt in seinem diesjährigen Gastspiel im Rheingau Musik Festival Musik aus sieben Jahrhunderten. Das Besondere an diesem Programm ist, dass die Motetten fast alle ausschließlich für Knabenchor geschrieben wurden – eines davon ist sogar eine spannende Auftragskomposition der Windsbacher. Doch die Klangzauberer aus Mittelfranken wissen die Zeichen der Zeit zu deuten und pochen auf Gleichberechtigung der Geschlechter: Künftig sollen auch die Mädchen glänzen dürfen, die dafür ab dem kommenden Schuljahr im Windsbacher Mädchenchor singen. Über das Projekt sprachen wir mit dem Künstlerischen Leiter Ludwig Böhme.

Für uns als Windsbacher Campus ist es natürlich auch eine gute Perspektive, wenn wir mit einem zusätzlichen Klangkörper in der Szene vertreten sind. Hinter allem steht aber wirklich eine Haltung: dass Mädchen die gleiche Chance bekommen sollten, eine so hochwertige Ausbildung zu bekommen. Das wollen wir und das ist letztendlich auch der Antrieb.

Wie sehen denn Resonanz und Interesse bislang aus?
Die Resonanz ist äußerst positiv. Wir wünschen euch alles Gute und ich hätte meine Mädchen gerne zu euch gegeben, wenn es das früher schon gegeben hätte – solches Feedback bekommen wir von Eltern. Auch in der Kulturberichterstattung es als zeitgemäßes, wichtiges und gutes Signal aufgefasst worden. Es gibt nur sehr vereinzelt kritische Stimmen.

Woher kommen die denn?
Einige sehr wenige sehen es als „Einzigartigkeit“, dass auf unserem Campus nur Jungs zusammenleben und sehen die Perspektive, den Campus für Mädchen zu öffnen kritisch, weil dies die Gemeinschaft der Jungs beeinflusst. Begeistert bin ich, wie gut unsere aktiven Chorsänger die Mädchenpläne aufnehmen. Natürlich sind einige etwas verunsichert, was sich für sie ändern wird. Aber alle begegnen den Plänen mit großer Offenheit und sind positiv gespannt!

Wie sieht denn das Interesse der Mädchen bislang aus?
Auf die Bekanntgabe Ende November folgte eine äußerst positive Öffentlichkeitsresonanz im Dezember und erste Anrufe gingen ein. Wir hatten am selben Tag der Pressekonferenz unsere erste „Klangfängerin“ in einer der gleichnamigen Nachwuchsgruppen. Und vor allem im Januar gab es deutlich verstärkt Anfragen für Eignungsvorsingen. In vielen unserer Klangfänger-Gruppen singen jetzt Mädchen.

Ein neuer Chor kostet Geld und davon hat eine Einrichtung wie der Windsbacher Knabenchor ja chronisch zu wenig. Wie wird das Projekt Mädchenchor finanziert?
Das Projekt Mädchenchor hat dazu geführt, dass wir eine Aufstockung unserer Zuschüsse der Evangelischen Landeskirche Bayern erhalten, weil die absolut hinter diesem Konzept steht. Natürlich kostet die Gründung des Mädchenchors etwas Geld, aber verglichen mit unserem Gesamthaushalt sehr wenig. Und wenn im Internat mehr Kinder leben, senkt das ja die Fixkosten pro Kind. Die Synergien überwiegen bei Weitem. Wir haben natürlich gerechnet und verschiedene Szenarien erstellt. Das haben wir mit der Evangelischen Landeskirche abgestimmt. Eine Finanzierungsgarantie für alle Ewigkeit gibt es allerdings nie …

Auch die Kirche klagt ja über sinkende Einnahmen …
… und überlegt daher sicher doppelt, wie sie Gelder verteilt. Die Finanzprobleme der Kirche sind ja bekannt. Aber es ist doch durchaus ein Bekenntnis der Landeskirche gerade in Zeiten knapper Kassen, dass sie jetzt und hier sagt: An dieses Projekt glauben wir so, dass wir da eben auch Geld investieren. Die gesellschaftliche Relevanz unserer Einrichtung ist ja viel größer, wenn es ein Angebot für alle Kinder gibt. Und das kommt letztendlich auch der Landeskirche zugute.

Als das Projekt Mädchenchor angekündigt wurde, war von einem neuen inhaltlichen musikalischen und pädagogischen Kapitel in Windsbach die Rede. Wie sieht das im Einzelnen aus?
Dass ein Mädchenchor ein ganz anderes künstlerisches Profil hat als ein Knabenchor, liegt natürlich an der Besetzung, weil hier nur die hohen Stimmen, also Sopran und Alt singen. Deswegen gibt es für Mädchenchöre ein ganz anderes und vor allem jüngeres Repertoire, was zwangsweise deutlich weniger Tradition hat als das Knabenchor-Repertoire. Das der Mädchen findet also eher in der Gegenwart statt. Daher ist es eine spannende Sache, wie der Windsbacher Mädchenchor die Chorszene prägen wird. Kurz gesagt: Der Knabenchor lässt letztendlich eine musikalische Tradition lebendig bleiben und entwickelt sie gleichsam weiter; der Mädchenchor geht aufgrund der anderen historischen Ausgangslage andere Wege. Natürlich wird es pädagogisch ein neues Lebensgefühl hier auf dem Campus geben, wenn Jungs und Mädchen gemeinsam hier leben. Für den Anfang haben wir für die Mädchen eines unserer schönsten Häuser reserviert, die „Villa Grün“, ein lichtdurchflutetes, modernes Gebäude. Im ersten Jahr, wenn die Gruppe der Mädchen noch eine kleinere sein wird, soll sich eine Gruppe formen, die die Mädchen als Chorgemeinschaft zusammenwachsen lässt. Für die Zukunft haben wir verschiedene Konzepte erarbeitet und werden sehen, welches sich am besten eignet. Wir wollen dabei auf jeden Fall ein Stück Flexibilität und Praxisnähe behalten. Es ist noch nicht alles im Stein gemeißelt.

Wird es denn zwei vollkommen getrennte Ensembles geben oder sind irgendwann auch gemeinsame Projekte angedacht?
Beide Chöre sollen als eigene Klangkörper ihr eigenes Profil entwickeln und treten im Prinzip eigenständig und unabhängig voneinander auf. Aber natürlich soll es auch Berührungspunkte geben. Gemeinsame Projekte mit Knaben- und Mädchenchor sind auf jeden Fall angedacht, aber punktuell, als Besonderheit. Das eröffnet uns ja insgesamt als Windsbacher Chor-Campus auch nochmal eine größere Repertoire-Vielfalt in puncto Chorsinfonik. Im Zusammenspiel auch mit ehemaligen Windsbachern werden wir irgendwann unsere Chorgrößen so variieren können, dass uns ein Repertoire zur Verfügung steht, das der Knabenchor alleine nicht bieten könnte.

Wie alt sollten die Mädchen denn sein, wenn sie im Windsbacher Mädchenchor singen wollen?
Interessentinnen im Grundschulalter können sich bei den Klangfängern anmelden und wir sprechen vorrangig Mädchen von der vierten bis zur sechsten Klasse an. Aber es gibt auch schon Anfragen von älteren Mädchen, die gerne kommen wollen. Wir nehmen natürlich auch Quereinsteigerinnen. Die Besetzung soll durchaus altersgemischt sein: vierte bis siebte Klasse, so dass sich die Jahrgänge dann sukzessive auffüllen. Das gibt dem Ganzen ein stabiles Fundament.

Haben Sie denn keine Angst, dass die beiden Chöre irgendwann einmal in Konkurrenz zueinander treten?
Sollte man davor Angst haben? Also ich habe da überhaupt keine Befürchtungen, sondern bin ganz im Gegenteil gespannt, wie sich das gruppendynamisch entwickelt. Wir müssen hier ja langfristig denken: Eine Konkurrenz kann bestenfalls über Jahre wachsen, wenn der Mädchenchor da eine erfolgreiche Karriere hinlegt. Und das freut mich natürlich als Künstlerischer Leiter dieses Windsbacher Chor-Campus‘, weswegen ich eigentlich nicht von Konkurrenz sprechen möchte. Aber natürlich werden sich beide Chöre sehr genau beobachten, weil sie hier ja auch miteinander in Kontakt sein werden. Und das kann aber, glaube ich, beiden Ensembles nur nützen. Also ich sehe dem freudig entgegen.

Das Gespräch führte Jan-Geert Wolff

Header © Katharina Gebauer

Zum 38. mal findet der Sommer voller Musik in diesem Jahr statt. Seit fast 30 Jahren ist LOTTO Hessen als Partner an der Seite des Festivals, seit nunmehr 20 Jahren sogar als Hauptsponsor. Ein schönes Jubiläum, anlässlich dessen Martin Blach, Sprecher der Geschäftsführung von LOTTO Hessen, sich über das Engagement beim Rheingau Musik Festival gerne äußerte.

Ihre Wirkungsstätte ist die Bühne, ihr Werkzeug bloße Mimik und Gestik: Dirigentinnen und Dirigenten sind Visionäre, Vermittler und Führungspersonen in einem. Sie inspirieren und schaffen Brücken zwischen den Musikzierenden und dem Publikum, indem sie Emotionen hervorrufen und Geschichten durch die Musik erzählen. In vier Konzerten präsentiert Andrés Orozco-Estrada dem Publikum des diesjährigen Rheingau Musik Festivals diese besonderen Fähigkeiten.

Wenn Sie ein Programm nach Belieben auswählen könnten, unabhängig von jeglichen äußeren Kriterien, Vorgaben oder Einflüssen, wie würde es aussehen? Was sind Ihre absoluten Lieblingswerke beim Dirigieren?

Die Antwort ist hier ganz ähnlich wie zuvor: Es ist ein großes Geschenk, dass ich das nicht entscheiden muss. Ich habe keine Lieblingswerke oder Lieblingskomponisten. Wenn ich heute ein Herzensstück nennen würde, kann es in der nächsten Woche schon ein anderes sein. Und nicht zu vergessen: Zu unterschiedlichen Orchestern, Orten und Bühnen passen auch unterschiedliche Programme. Ich lebe und mache Musik immer in einem „Kontext“, damit habe ich kein Problem – im Gegenteil: Ich liebe das! Wenn sich ein Veranstalter oder ein Orchester ein bestimmtes Stück wünscht, dann kann man von diesem Punkt aus weitergehen und etwas entwickeln. Aber es wird immer ein anderes Ergebnis dabei herauskommen.

Als ehemaliger Chefdirigent des hr-Sinfonieorchesters haben Sie viele Jahre lang das Eröffnungskonzert des Rheingau Musik Festivals dirigiert. Wie haben Sie diese Konzerte wahrgenommen? Gibt es besondere Momente, an die Sie sich gerne zurückerinnern?

Die Eröffnungskonzerte des Rheingau Musik Festivals habe ich stets sehr genossen, das waren immer sehr außergewöhnliche Abende. Das Kloster Eberbach hat eine ganz einzigartige Akustik und Atmosphäre, und es ist sowieso jedes Mal etwas ganz Besonderes, ein Festival zu eröffnen. Von diesen besonderen Momenten gibt es sehr viele, und ich habe sie in guter Erinnerung. Hier etwas herauszugreifen, fällt mir schwer. Es ist vielmehr die Stimmung, die ich immer sehr gern mag.

Dieses Jahr präsentieren Sie auf der Bühne von Kloster Eberbach Carl Orffs „Carmina Burana“ gemeinsam mit dem Gürzenich-Orchester Köln, das Sie schon bald als Generalmusikdirektor der Stadt Köln leiten werden. Was verbinden Sie mit diesem Werk? Gibt es bestimmte Herausforderungen, die das Werk mit sich bringt?

In Kolumbien habe ich im Kinderchor oft die „Carmina Burana“ gesungen. Jedes Jahr wurde das Stück in meiner Geburtsstadt Medellín einmal gespielt, der Saal war dabei immer voll. Worum es sich bei diesem Werk gehandelt hat, habe ich gar nicht so richtig verstanden. Aber ich habe immer gespürt, dass mich die rhythmische Energie und die kraftvolle Klangwelt unglaublich faszinieren. Musikalisch interessant sind die rhythmischen Elemente, aber die eigentliche Herausforderung ist wahrscheinlich, das „pralle Leben“ in diesem Stück herauszuarbeiten – wie geht man mit den liebevollen Momenten, der Zärtlichkeit, den Übertreibungen, dem Grotesken und den kleinen absurden Dingen bestmöglich um? Ich habe die „Carmina Burana“ als Kind in Kolumbien ganz frei vom politisch-historischen Kontext lieben gelernt, und ich freue mich sehr darauf, dieses große Wunderwerk aufzuführen.

Worauf freuen Sie sich bei Ihren Konzerten beim Rheingau Musik Festival und worauf darf das Publikum bei Ihren Interpretationen im kommenden Sommer besonders gespannt sein?

Das führt mich wieder zur allerersten Frage zurück: Ich freue mich auf ein Wiedersehen und Wiederhören beim Rheingau Musik Festival, einer „Heimat“ von mir! Wir haben viel vor und werden sehr unterschiedliche Stücke aufführen, die „Carmina Burana“, die Sinfonie „Aus der neuen Welt“ und noch viel mehr. Und ich hoffe, dass sich unser Publikum darauf freut, diese Musik mit uns zu erleben.

Vielen herzlichen Dank für das Interview!

Headerfoto © Julia Wesely. Das Interview führte Franziska Jung.

Von Anfang an wusste Thibaut Garcia, wo er hinwollte: mit der Gitarre auf die klassischen Bühnen der Welt. Dabei erforscht er mit großer Neugierde verschiedene Stile und präsentiert auch beim Rheingau Musik Festival eine große Bandbreite an unterschiedlichen Konzertprojekten.

Schon von klein auf spielen Sie Gitarre. Haben Sie sich bewusst für das Instrument entschieden? Was macht die Gitarre für Sie zu einem so besonderen Instrument?

Ich wollte schon mit sechs Jahren anfangen Gitarre zu spielen und fragte meine Eltern, ob sie es mir beibringen könnten, weil sie selbst Gitarre spielen. Doch als Amateur-Autodidakten konnten sie das nicht. Aber ich habe sie jeden Tag gefragt und sie haben mich schließlich, als ich sieben Jahre alt war, in eine Musikschule gesteckt, um mit dem Unterricht anzufangen. Ich kann sagen, dass ich damals bereits entschlossen war.

Die Gitarre verbindet man häufig mehr mit Popularmusik als mit klassischer Musik. Was hat Sie dazu bewogen, eine professionelle Karriere als klassischer Gitarrist einzuschlagen? Haben Sie jemals in einer Band oder einer ähnlichen Formation gespielt?

Ich fing mit der klassischen Gitarre an und wollte nie wirklich woanders hin. Ich habe das Gefühl, dass das klassische Repertoire einen so romantischen und ausdrucksstarken Touch hat und bei mehr als 400 Jahren Musik auch eine tiefgreifende Perspektive der Erkundung bietet. Ein Leben reicht nicht aus, um alles zu erforschen. Das ist es, was mich dazu gebracht hat, diesen Beruf zu ergreifen.

Sie sind spanisch-französischer Abstammung und haben Ihr Leben lang in Frankreich verbracht. Ist das der Grund, warum Sie sich vor allem für die südeuropäische Musik interessieren? Was ist es, dass Sie an dieser Musik besonders fasziniert?

Ein französischer Sänger aus Toulouse namens Claude Nougaro sagte einmal: „Spain pushes its horn in Toulouse.“ Und Südfrankreich ist tatsächlich mit Spanien verbunden, so wie ich es aufgrund meiner Vorfahren bin. Und ist man einmal mit der spanischen Kultur in Berührung gekommen, lässt sie einen nicht mehr los. Jedes Mal, wenn ich verschiedene Projekte mache und dabei keine spanische Musik spiele, gibt es immer einen Moment, in dem ich zu ihr zurückkehre. Einfach weil ich sie brauche. Sie ist ein Teil meines Wesens. Und die Geschichte der Gitarre ist über die Jahrhunderte hinweg eng mit Frankreich, Spanien und Italien verbunden.

In Ihrem Album „El Bohemio“ widmen Sie sich dem paraguayischen Komponisten und Gitarristen Agustín Barrios. Wie kommt die Verbindung zu diesem Komponisten und warum haben Sie sich entschieden, seiner Musik ein ganzes Album zu widmen?

Mein Album „El Bohemio“ ist das erste, das ich komplett einem Komponisten gewidmet habe. Hier bin ich wirklich tief in das Thema eingetaucht. Agustín Barrios ist wie Chopin für einen Pianisten oder Paganini für einen Geiger. Jeder Gitarrist kennt ihn. Aber ich habe ihn für mich entdeckt, noch bevor ich selbst Gitarre gelernt habe, weil mein Vater „La Catedral“ von Agustín Barrios gespielt hat – ein herausragendes Werk. Vor ein paar Jahren sollte ich dann etwas ganz anderes aufnehmen. Und eines Tages, an einem Sonntag zu Hause, begann ich aus Spaß das Gesamtwerk von Barrios zu lesen und ich spürte innerlich, dass es genau das war, was mich bewegte. Ich fühlte eine große Verbindung zu seiner Musik. Außerdem begann ich, über den Komponisten zu lesen. Er ist so eine Person, die einen in seine Träume mitnimmt, entlang seiner Musik. Sein Leben ist ein reiner Roman, voll von Geschichten. Ich habe das Projekt also komplett geändert und mich zu 100% auf Agustín Barrios und „El Bohemio“ eingelassen. Für mich ist er ein prägender Komponist und Gitarrist in der Geschichte des Instruments. Ich kann sagen, dass er heute der Segovia Lateinamerikas ist. Er ist eine echte Inspiration.

Sie sind sowohl als Solist mit großen Orchestern als auch in intimer Kammermusikbesetzung zu erleben. Wie unterscheiden sich diese Arten des Musizierens für Sie? Bevorzugen Sie eine davon?

Es sind drei verschiedene Dinge, mit einem Orchester zu spielen, ein Solokonzert zu geben oder in einer Kammermusik-Formation aufzutreten. Es ist schwer zu sagen, ob ich eines davon bevorzuge. Denn im Orchester verspüre ich viel Adrenalin, Aufregung und Energie und ich kann zusammen mit dem Dirigenten an der Klangfarbe dieses riesigen schönen Klangkörpers arbeiten. Kammermusik hingegen ist ein echtes Vergnügen: mit Freunden auf der Bühne zu stehen, Spaß zu haben, aber auch tief in die Musik einzutauchen, wenn man gemeinsam nach dem musikalischen Zweck sucht und eine großartige Kombination findet. Es ist eine gemeinsame Energie. Und durch das Solo entsteht ein Ort, den man ganz für sich allein hat. Man wird zum Meister des Raums und der Zeit und baut eine Beziehung zum Publikum auf, die jeden Abend anders und besonders ist. Es ist eine Art des Musizierens, bei der man zwar mehr Gewicht auf den eigenen Schultern trägt, aber dafür auch mehr Freiheit hat.

Dieses Jahr bringen Sie Ihre Schüler mit zum Rheingau Musik Festival. Was macht dieses Konzert so besonders? Was möchten Sie jungen Nachwuchstalenten mit auf ihren musikalischen Weg geben?

Das Konzert mit meinen Studierenden aus Toulouse ist in mehrfacher Hinsicht etwas ganz Besonderes. Denn so etwas habe ich noch nie gemacht – ein spezielles Programm nur für dieses Konzert mit meinen Schülern zu erarbeiten. Was mir dabei auch wichtig ist: Sie werden an diesem Abend nicht einen Lehrer und seine Schüler auf der Bühne sehen, sondern fünf Musiker. Ein Künstler oder ein Schüler zu sein, geschieht im Kopf. Wenn du dich als Schüler betrachtest, bist du einer. Wenn man sich als Künstler betrachtet, wird man einer. Ich freue mich sehr auf dieses Konzert, denn man wird Persönlichkeiten entdecken. Und für sie ist es eine wunderbare Gelegenheit, bei einem so unglaublichen Festival zu spielen. Wir freuen uns alle darauf, diesen Moment mit Ihnen, liebes Publikum, zu teilen. Die Ratschläge, die ich geben kann, sind: Seid neugierig, seid überzeugt, um überzeugend zu sein, und wenn ihr nicht üben wollt, spielt!

Worauf freuen Sie sich als Fokus-Künstler des Rheingau Musik Festivals am meisten? Und worauf darf sich das Publikum Ihrer Konzerte besonders freuen?

Das diesjährige Rheingau Musik Festival wird für mich wie ein großes Feuerwerk voller Farben und Energie innerhalb der verschiedenen Konzerte sein. Ich habe sie mir wie verschiedene Welten vorgestellt oder wie Gemälde. Und mein Ziel ist es, Sie mit auf diese unglaubliche Reise zu nehmen. Von der emotionalen Kraft des „Concierto de Aranjuez“ bis hin zur Intimität der „Goldberg-Variationen“, durch den Glanz und die Vitalität von Paganini und Piazzolla oder die zarte Hitze Südspaniens zu gehen, ist etwas Unglaubliches. Lassen Sie uns dieses Festival gemeinsam in vollen Zügen genießen!

Vielen herzlichen Dank für das Interview!

Headerfoto © Warner Classics Erato/Marco Borggreve. Das Interview führte Franziska Jung.

Der Musiker Martynas Levickis befreit das Akkordeon von allen Vorurteilen, die diesem Instrument so anhaften mögen. Geschickt hat er es in den letzten Jahren zum Hauptakteur auf klassischen Bühnen oder in großen Stadien gemacht. Denn für ihn gilt: Das Akkordeon ist ein Alleskönner!

Bereits in jungen Jahren begannen Sie in einem Elternhaus, das sie tatkräftig unterstützt hat, Musik zu machen. Wie haben Sie diese musikalischen Anfänge wahrgenommen? Was würden Sie jungen Musikerinnen und Musikern raten, die eine ähnliche Karriere wie Sie anstreben, aber keine Unterstützung von zu Hause erhalten?

Meine musikalischen Anfänge waren das Beste, was mir je passieren konnte. Ich hatte mein Instrument und alle Freiheiten, es zu erforschen. Es fasziniert mich bis heute und wenn ich ehrlich bin, denke ich gerade an schwierigen Tagen, wenn ich mit meiner Musik oder Leistung hadere, oft an diesen Ausgangspunkt zurück: ein kleiner Junge mit einem roten Umhang und einem Hut, der mit seinem kleinen Akkordeon auf den Schultern durch die Wälder läuft.
Es gibt viele Ratschläge, aber der Beste ist manchmal, gar keinen zu geben. Meiner Meinung nach gilt: Wenn es so sein soll, dann wird es auch so passieren. Wenn die Musik in einem selbst lebt, wird man seinen eigenen Weg finden, um dranzubleiben, hart zu arbeiten und immer nach vorne zu schauen. Selbst dann, wenn die Unterstützung fehlt.

Sie haben Ihre Leidenschaft zum Beruf gemacht. Ist die Musik auch im Alltag Ihr Ausgleich oder gibt es andere Aktivitäten, die Ihnen Balance verschaffen?

Mittlerweile muss ich sagen, dass nur die Musik allein nicht ausreicht. In erster Linie muss man sich seiner Menschlichkeit bewusst sein, bevor man sich auf professionelle berufliche Fähigkeiten und Rollen konzentriert. Als reisender Musiker könnte ich mein Gleichgewicht ohne regelmäßigen Sport, Massagen, gesundes und leichtes Essen, einen guten Spaziergang oder Gespräche mit einem guten Freund oder Partner nicht aufrechterhalten. Guter Schlaf und Ruhe sind ebenfalls wichtig.

Ihr Repertoire reicht von litauischen Volksliedern über klassische Werke, bis hin zu Filmmusik, Popmusik und zeitgenössischer Musik. In Ihren Konzerten präsentieren Sie viele verschiedene Genres und verbinden diese teilweise auch miteinander. Haben Sie dennoch ein präferiertes Genre, eines, dem sie sich am meisten verbunden fühlen oder das Sie am meisten interessiert?

Die Natur meines Instruments ist der wichtigste Impulsgeber und die größte Inspiration für meine musikalischen Entscheidungen. Das Akkordeon hat eine relativ kurze Geschichte und bietet daher nur eine begrenzte Menge an Originalrepertoire. Deshalb muss ich manchmal erfinderisch werden und etwas von dem Repertoire stehlen, das eigentlich nicht für mein Instrument komponiert wurde.
Aber ich mache es mir zur Aufgabe, immer das Stück zu finden, das in erster Linie meine Seele bewegt, damit ich es mit Begeisterung erforschen und aufführen kann. Und dann geht es stets darum, das Stück so klingen zu lassen, als wäre es für mein Instrument geschrieben worden. Denn es kann niemals nur eine einfache Nachahmung vom Klang und der Spielweise anderer Instrumente sein. Bei diesem Prozess muss man sich immer des Materials und des Komponisten, mit dessen Werk man arbeitet, bewusst sein und genau das respektieren. Und dennoch: Bei einer Auswahl wie Mahlers „Adagietto“ aus der fünften Sinfonie, Chopins Walzer op. 64 Nr. 2 oder Bachs Französischer Suite Nr. 5 würden die Leute immer den Unterschied im Klang erkennen. Ein Unterschied, der vielleicht zunächst überrascht, aber dem Publikum dann immer näherkommt. Auf der anderen Seite, wenn ich zugänglichere Musik wie Pop-Arrangements oder populäre Klassiker spiele, erlange ich die Aufmerksamkeit eines anderen Publikums, das ich dann wiederrum auf andere, weniger bekannte Musikgenres lenken kann. Das funktioniert in der Regel nicht nur zu meinem eigenen Vorteil als Interpret, sondern fördert auch die Verbindung zwischen der Musik und des Zuhörenden.

Dem Akkordeon wird meist etwas Traditionelles, Folkloristisches zugeschrieben. Sie beweisen in Ihren Konzerten, dass dieses Instrument allerdings sehr wandelbar und vielseitig einsetzbar ist. Worin sehen Sie einen Vorteil des Akkordeons gegenüber anderen Instrumenten?

Wolfgang Amadeus Mozart und Carl Philipp Emanuel Bach schrieben Briefe an Instrumentenbauer und baten darum, ein Instrument anzufertigen, das tragbar sei, den Klang über längere Zeit aufrechterhalten könne und individuelle mehrstimmige Linien erzeugen würde. Leider wurden die Instrumentenhersteller diesem Wunsch nicht gerecht, denn der erste Prototyp des Akkordeons wurde erst 1829 in Wien patentiert. Und damals war es nur ein primitiver Kasten mit wenigen Knöpfen. Heutzutage ist das Akkordeon das, wovon die Komponisten damals geträumt haben. Es ist ein eigenständiges Orchester. Es kann intim und sanft, verspielt und spritzig, aber auch majestätisch und laut sein. Und es kann das Repertoire von der Frührenaissance bis zur Musik des 21. Jahrhunderts abdecken, wobei es immer diesen aufregenden Hauch von etwas Geheimem mit sich bringt.

Als Fokus-Künstler präsentieren Sie sich und das Akkordeon in diesem Sommer sowohl im Solorezital als auch mit Orchester, an einem Duo-Abend mit Orgel, im Akkordeon-Sextett und weiteren Formationen. Wie planen Sie Ihre so vielfältigen und unterschiedlichen Konzertprojekte?

Bei der Planung von Projekten und bei der Repertoireauswahl habe ich immer ein großes weißes Blatt Papier vor mir liegen. Und dann kann man sich wie ein Schöpfer fühlen! Man kann auf dieses Papier schreiben, was man will. Erst nach einer Weile wird es durch einige Faktoren und Bedingungen usw. angepasst – und das ist ganz natürlich. Die Zusammenstellung von Programmen hängt meiner Meinung nach maßgeblich von meiner jeweiligen Sicht auf die Welt, auf mich persönlich und auf mein Instrument ab. Und auch von der Entscheidung, was ich dem Akkordeon, mir selbst und vor allem dem Publikum noch geben kann. Ich bin mir sicher, dass die Konzertprogramme beim Rheingau Musik Festival durch viele verschiedene Empfindungen, Klänge und Farben führen, die das Instrument auf eine spannende Art und Weise präsentieren.

Durch Ihre Konzerte in den vergangenen Jahren, haben Sie bereits einige Spielstätten des Rheingau Musik Festivals kennengelernt. Und auch in diesem Jahr sind die Veranstaltungsorte ganz unterschiedlich und reichen von der mystischen Atmosphäre im Hospitalkeller von Kloster Eberbach bis zur großen Bühne des Kurhauses in Wiesbaden. Wie unterscheidet sich ein Konzert vor 100 Leuten zu einem Konzert vor Tausenden von Menschen?

Ich kann nur sagen, dass mir persönlich ein Konzert vor 100 Leuten, oder sogar weniger Menschen, im Vergleich zu einem größeren Publikum unheimlich ist. Es kann unerträglich intim und somit einschüchternd werden. Andererseits gibt es nichts Persönlicheres und Unverfälschteres, als in einem kleinen Raum für ein kleines Publikum zu spielen, das einen umgibt. Ich weiß, dass alle verschiedenen Veranstaltungsorte des Rheingau Musik Festivals ihren eigenen Charme und ihre eigene Akustik haben, so dass das Gefühl überall anders sein wird. Das ist wirklich sehr aufregend.

Wir freuen uns sehr, Sie beim Rheingau Musik Festival als einen unserer Fokus-Künstler besonders oft erleben und hören zu dürfen. Was möchten Sie dem Publikum in Ihren Konzerten mitgeben? Und worauf freuen Sie sich am meisten?

Ich hoffe, dass bei denen, die mich bereits zuvor gesehen haben und nun zu meinen Konzerten zurückkehren, die Neugier und Begeisterung für dieses besondere Instrument anhalten wird. Und für diejenigen, die mich zum ersten Mal treffen, wünsche ich mir nur eines – dass sie sich in das Akkordeon verlieben! Das ist schließlich meine Lebensaufgabe und ich bin dem Rheingau Musik Festival dankbar, dass es meinem Instrument und mir eine so schöne Plattform bietet, indem es uns beide in diesem Jahr in den Mittelpunkt stellt.

Vielen herzlichen Dank für das Interview!

Headerfoto © Rui Camilo. Das Interview führte Franziska Jung.