„Die Frühlingsweihe. Bilder aus dem heidnischen Russland in zwei Teilen“ lautet der Titel des Stücks, das die Ballets Russes an diesem Abend auf die Bühne bringen. Die russische Tanztruppe unter der Leitung ihres Impresarios Sergei Djagilew war in Paris keineswegs unbekannt. Bereits in den Jahren vor der Skandalnacht 1913 hatten die Tänzerinnen und Tänzer mit Balletten große Erfolge feiern können, darunter mit Stücken wie „Der Feuervogel“ und „Petruschka“ – beides Werke eines noch recht unbekannten Komponisten: Igor Strawinsky.

Mit dem Plan, an die ersten Erfolge anzuknüpfen, widmet sich Strawinsky 1911 der Idee zum „Sacre“, die er schon seit geraumer Zeit mit sich herumträgt. Ihm geht es nicht mehr darum, eine Geschichte oder Handlung zu erzählen. Er möchte Naturgewalten und ihre Wirkung auf den Menschen darstellen. Der einst „romantische“ Frühling wird zur rohen Urkraft umgedeutet. Im Zentrum des „Sacre“ steht der Todestanz eines jungen Mädchens, das dem Gott des Frühlings geopfert werden soll, um diesen günstig zu stimmen. Vorchristliche russische Mystik und das Interesse am Heidnisch-Exotischen üben auf das Pariser Publikum eine gewisse Anziehungskraft aus. Doch völlig neu ist Strawinskys Herangehen an den Ausdrucksgehalt der Musik und die Behandlung des Orchesters: wilde Rhythmen, kaum Melodien oder sangliche Themen, scharfe Dissonanzen, schnelle und abrupte Taktwechsel – all das zieht dem Publikum den Boden unter den Füßen weg, lässt es orientierungslos zurück. Die Musik ist roh, zupackend und voll energiegeladener Spannung. Sogar das gesamte Orchester wird stellenweise zu einem großen Schlaginstrument. Mit einem Ruck stößt Strawinsky die Tür in die Moderne weit auf. Hinzu kamen schließlich noch die rustikalen Kostüme und eine unerhört provozierende Choreografie des virtuosen Tänzers Vaslav Nijinsky: Abgehackte und zuckende Bewegungen, Verrenkungen der Gliedmaßen, primitives Stampfen – mit Ballett hatte das in den Augen und Ohren des Pariser Publikums nichts mehr zu tun. Das Zusammenspiel aus grausamer Handlung, provokanter Umsetzung und einem noch nie dagewesenen Ausdrucksgehalt der Musik überforderte das Publikum.

Der Komponist Mahler bewegt sich musikalisch zwischen Spätromantik und früher Moderne, bewundert einerseits die Kompositionen eines Richard Wagners oder Anton Bruckners, ebnet mit seinen eigenen Werken aber zugleich Arnold Schönberg und Dmitri Schostakowitsch den Weg. In seinem Leben stößt er vieles an, was die Musikwelt bis heute prägt.

Seine Musik ist so zeitlos, dass sie auch heutzutage der Gesellschaft den Spiegel vorhält. Voller unerwarteter Wendungen, abstrakt und doch programmatisch, nachahmend, emotional, erzählend. Temperamentvolle Liebschaften, der Tod seiner sechs Geschwister und seiner Eltern, die Ausgrenzung aufgrund seiner jüdischen Herkunft, seine impulsive Ehe mit der 19 Jahre jüngeren Alma Schindler, ihre Affäre mit dem Architekten Walter Gropius und der Tod seiner eigenen Tochter: Das alles bringt ihn nicht nur zu Siegmund Freud auf die Couch, sondern findet auch Ausdruck in seiner Musik.

Und trotzdem ist Mahlers Musik nicht ausnahmslos tragisch – ganz im Gegenteil: Es schwingen immer auch eine enorme Energie bis hin zur Ekstase, eine Art Glückstaumel und etwas Tröstliches darin mit. Am Attersee, in Maiernigg in Österreich oder im Südtiroler Pustertal verbringt Mahler seine Ferien, dort hat er kleine „Komponierhäuschen“ inmitten der Berge. „Hier ist es wunderherrlich und repariert ganz sicher Leib und Seele.“ Beim Anblick der Dolomiten schreibt er solch gewichtige Werke wie „Das Lied von der Erde“, seine neunte und die unvollendete zehnte Sinfonie. Die Natur, die Stille und die Schönheit der Berge geben ihm die nötige Kraft, um sich zu regenerieren und kreativ zu sein. Hier findet er Frieden und bekommt den Kopf frei von seinem Alltag.

Ein Alltag, der ihm oft keine Zeit zum Durchatmen lässt: Nachdem sich Mahler in ganz Europa bereits einen hervorragenden Ruf als Dirigent erarbeitet hat, unterzeichnet er 1897 mit nur 38 Jahren den Vertrag zu einem der prestigeträchtigsten Ämter, die die Musikwelt seinerzeit zu bieten hat – die Stellung des Kapellmeisters an der Wiener Hofoper. Dort verfolgt er seinen auf Wagners Idee des Gesamtkunstwerkes basierenden Ansatz, Musik und Darstellung in der Oper immer weiter in Einklang zu bringen. Unermüdlich treibt es ihn vom Orchestergraben mitten ins Geschehen auf die Bühne und wieder zurück, und durch seinen Einsatz entwickelt sich das Wiener Opernhaus zu einem der führenden Häuser weltweit. Nach zehn Jahren verlässt er die Hofoper aufgrund persönlicher Zerwürfnisse und geht an die Metropolitan Opera in New York. Allerdings ist auch diese Anstellung nicht von Dauer, und so leitet er ab 1909 in seinen letzten beiden Lebensjahren hauptsächlich sinfonische Konzerte amerikanischer Orchester.

Während er als Dirgent und Operndirektor schon recht früh Karriere gemacht hat, erlangt er seinen kompositorischen Durchbruch erst mit 34 Jahren – mit seiner opulenten Zweiten, der „Auferstehungssinfonie“. Neben seinen Liedkompositionen zählen seine Sinfonien wohl zu den bekanntesten Werken des Tonschöpfers. Sie alle tragen etwas schmerzlich Schönes in sich, eine persönliche Innigkeit, trotz ihrer teils riesigen Besetzungen. Drei dieser genialen Tonschöpfungen – die Sinfonien Nr. 2, 4 und 9 – erklingen beim diesjährigen Rheingau Musik Festival im Original, auf die dritte Sinfonie wird mit einer Bearbeitung für Kammerorchester und -chor ein ganz neues Licht geworfen. Daneben präsentiert das Fauré Quartett Mahlers selten gehörten Klavierquartettsatz in a-Moll im Konzert auf Schloss Johannisberg, und in einem musikalisch-literarischen Abend wird zum Abschluss des Mahler-Wochenendes die Ehe der beiden Künstlerpersönlichkeiten Gustav und Alma näher beleuchtet.

Theresa Awiszus

„Phenomenal“ (The Times) ist nur eines der vielen begeisterten Worte, die die Presse für die exquisite Chorkunst des in London ansässigen Tenebrae Choir findet. Dass Gründer und Leiter Nigel Short selbst viele Jahre Mitglied bei den King’s Singers war, hört man der Klangkultur des Chores durchaus an: Mit kristallklarer Intonation, Leidenschaft und Präsenz wissen die Sänger ihr Publikum in ihren Bann zu ziehen und die legendäre Qualität britischer Chöre hörbar zu machen. 2001 ist es, als sich Nigel Short seinen langgehegten Traum erfüllt: Er gründet einen Chor, mit dem er seine Konzeption von Vokalmusik realisieren kann. Dazu versammelt er hervorragende Sänger in seinem Ensemble, die sich etwa aus Mitgliedern der Chöre von Westminster Abbey, St Paul’s Cathedral und den Londoner Opernhäusern rekrutieren.

Short strebt danach, bei Tenebrae den raumfüllenden, leidenschaftlichen Klang der großen Kirchenchöre mit der Präzision eines kleinbesetzten Vokalensembles zu kombinieren und den Raum und das Licht in die Aufführung einzubinden: Mit einem Klang von „himmlischer Schönheit“ (Frankfurter Rundschau) avanciert der Chor binnen kürzester Zeit zum musikalischen Exportschlager Großbritanniens und einem der führenden Vokalensembles weltweit.

Das Ensemble tritt mit den renommiertesten Orchestern weltweit auf und ist mehrfacher Preisträger des BBC Magazine Award. 2013 erhält der Chor für die Aufnahme von Gabriel Faurés Requiem zusammen mit dem London Symphony Orchestra einen Gramophone Award. 2018 folgt eine Grammy-Nominierung für die CD „Music of the Spheres“.

Nigel Shorts Beharrlichkeit und seiner Vision ist zu verdanken, dass Tenebrae nicht nur bekanntes Repertoire interpretiert, sondern auch mit vielen bedeutenden zeitgenössischen Komponisten zusammenarbeitet und immer wieder spektakulär Neues präsentiert: »Wir fokussieren uns nicht auf eine Zeitspanne, stattdessen singen wir neben der alten Musik auch romantische Stücke, einige aus der Barockzeit und zeitgenössische Werke. Ich liebe all diese verschiedenen Epochen und suche mir die Stücke ganz nach Gefühl aus.« Die Interpretationen des Ensembles leben vom Gespür für die Sinnlichkeit von Musik. Bekannte und unbekannte Werke werden zu einem faszinierenden Klangerlebnis, Konzerte zu einem lebendigen Hörraum, in dem besondere Klangwirkungen erzeugt werden. Mal treten Einzelstimmen, mal Stimmgruppen in Dialog – auch mit dem Raum: Wenn die Sänger im Mittelgang stehen, jede Nuance, jede Bewegung, jede Stimme, jeder Ton wahrnehmbar ist, hält das Publikum den Atem an.

Der Farbenreichtum, den Short seinem Ensemble entlockt, kennt keine Grenzen. Wenn es Perfektion im Gesang gibt, dann hier. Denn der Chor steht – zu Recht – im Ruf atemberaubender Präzision, die der Chorgründer und -leiter meisterhaft auszusteuern und auszutarieren weiß: dunkel hier, strahlend da, mal transparent, mal kraftvoll, dann wieder sanft, mit Schärfe, innig oder leuchtend, immer exakt und im idealen Zusammenklang. Daraus entsteht eindringlicher Gesang und pure Emotion. Die Arbeit an dieser Perfektion ist Nigel Shorts ganzes Leben. Auf das Gesangspodium kehrt er selbst hingegen nicht wieder zurück: »Die Mitglieder würden mir wahrscheinlich gar nicht mehr erlauben, mit ihnen zu singen. Manchmal, kurz nach der Gründung des Tenebrae Choir, sang ich einfache Parts als Bariton, mittlerweile werde ich vorne als Dirigent benötigt. Mein Gesang beschränkt sich deswegen auf Momente im Badezimmer.« Es ist ein großes Glück, die Sänger des Tenebrae Choir bei ihrer Kunst zu erleben. Allein aus der Kraft der Musik schaffen sie in ihren Aufführungen Klangräume, die die Besucher in andere Sphären heben.

Die Auftritte des City Light Symphony sind nicht nur Konzerte im klassischen Modus, es sind Erlebnisse für viele Sinne. Wenn das Licht gedimmt wird und die ersten Klänge einsetzen, wenn dazu die Bilder des jeweiligen Films auf großer Leinwand erscheinen, wirkt das ganz anders als in jedem herkömmlichen Kino der Welt. Das Blech dröhnt unmittelbarer, die Streicher surren geheimnisvoller, die Holzblässer flirren irrlichternder als man es vom pauschalen Kino-Surround-Ton her kennt.

Die Luzerner haben es in der noch jungen Geschichte ihres Ensembles geschafft, der Kinomusik zu einem neuen Bewusstsein zu verhelfen. Sie ist nicht mehr nur Kulisse oder eine von vielen Zutaten zum Gesamtkunstwerk Film, vielmehr erhält die Musik eine Eigenständigkeit, die auch ihre kompositorischen Qualitäten besser erkennbar macht.

Lieber Herr Yun, beim diesjährigen Rheingau Musik Festival werden Sie Werke von Brahms, Beethoven, Busoni und Schumann interpretieren. Wie wählen Sie Ihre Programme aus und wie bereiten Sie sich auf die Programme vor?
Die Programmplanung ist für mich ein aufregender und spannender Prozess! Zu Beginn stelle ich in der Regel eine Liste mit potenziellem Repertoire zusammen, dem ich mich am meisten verbunden fühle und mit dem ich mich wohl fühle. Dann filtere ich die Liste, um ein komplettes Programm zu erstellen, wobei ich bestimmte Faktoren wie die Kohärenz, die Gesamtstruktur, den Veranstaltungsort, an dem ich spielen werde, und natürlich das Publikum, für das ich spielen werde, im Auge behalte. Was die Vorbereitung betrifft, so versuche ich, die Musik genau zu studieren und so viel und so gründlich wie möglich zu üben. Normalerweise lese ich die Kompositionsgeschichte, höre mir andere Werke desselben Komponisten an und sehe mir Manuskripte der Werke an. Im Laufe der Jahre habe ich es auch als nützlich empfunden, ohne Klavier und Partitur zu üben, denn so prägt sich die Musik in meinem Kopf ein.

Letztes Jahr haben Sie Ihr Debüt beim Rheingau Musik Festival gegeben. Wie haben Sie dieses Konzert und die Region Rheingau erlebt?
Es gibt bestimmte Orte, an denen sich Künstler dazu inspirieren lassen, 120 % ihrer selbst zu geben, und für mich gehörte der Rheingau ganz klar dazu. Die Schönheit und Gastfreundlichkeit des Rheingaus hat mich sofort in seinen Bann gezogen. Die einzigartige Festivalatmosphäre hat dazu beigetragen, dass ich entspannt und inspiriert musizieren konnte. Und das wiederum hat dazu geführt, dass ich auf ganz natürliche Weise mit meinem Publikum interagieren konnte.

Sie haben Ihre Leidenschaft zum Beruf gemacht. Ist die Musik auch Ihr Ausgleich im Alltag oder gibt es andere Aktivitäten, die Ihnen einen Ausgleich bieten?
Von klein auf hatte ich eine besondere Liebe zur Musik, und die meiste Zeit außerhalb der Schule habe ich mit Musik verbracht. Als ich aufwuchs, war Musik mein „Zufluchtsort“ und mein Ausgleich. Diese Leidenschaft für Musik führte später dazu, dass ich eine professionelle Karriere anstrebte und sie zu meinem Lebensmittelpunkt machte. Jetzt, da ich älter werde, finde ich zusätzlich zu dieser anhaltenden Liebe zur Musik meinen Ausgleich durch die Erfüllung und den Sinn, den die Musik mir gibt. Diese Erfüllung ergibt sich aus der Vielfalt an hervorragender Musikliteratur, die ich zu meinem großen Glück entdecken und täglich in meinem Beruf bearbeiten kann. Und der Sinn ergibt sich daraus, dass ich die Werke zu den Menschen bringe, mich auf diesem Weg mit dem Publikum verbinde und dabei die Musik im Heute sprechen lasse, während ich es gleichzeitig mit der Vergangenheit in Einklang bringe.